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L’exposition réunit peintures, dessins et films autour des figures de pouvoir, de la virilité et de la guerre. Entre satire et ironie, le travail questionne les mythologies contemporaines l’autorité, le cow-boy, le soldat et révèle l’absurdité de certaines constructions sociales.

Dans cette exposition, j’ai articulé mon travail autour de trois axes, trois champs de réflexion qui se répondent et se traversent.
La série Les Hommes à cravates s’inscrit dans une observation critique des figures de pouvoir et des structures hiérarchiques contemporaines. Les personnages représentés — hommes de bureau, figures administratives, représentants politiques — incarnent une forme d’autorité normalisée, inscrite dans des codes vestimentaires et comportementaux immédiatement reconnaissables.
Cependant, cette apparente conformité est perturbée par l’ajout de chapeaux pointus, évoquant le bonnet d’âne. Ce déplacement symbolique introduit une tension entre statut et ridicule, entre légitimité et absurdité. Il agit comme un révélateur : derrière les signes extérieurs de pouvoir se profile une forme de vacuité, voire d’aveuglement collectif.
Réalisées à l’encre sur toile, ces peintures jouent sur la sobriété du médium pour accentuer la force du propos. Le contraste entre la rigueur du trait et la charge satirique du motif produit un effet de distanciation, invitant le regardeur à interroger les mécanismes d’adhésion aux systèmes d’autorité.
Cette série propose ainsi une réflexion sur la mise en scène du pouvoir, sa théâtralité, et les formes d’aliénation qu’il peut engendrer, dans un registre où l’ironie devient un outil critique.
Si tu veux, je peux aussi adapter le texte pour qu’il soit plus radical, plus poétique, ou plus théorique (type texte de commissaire d’expo).
Le second axe de l’exposition regroupe une série de 18 dessins réalisés à la mine de plomb et à l’encre, ainsi qu’une série de peintures représentant des portraits de cow-boys, directement inspirés du film Brokeback Mountain. J’ai intitulé cet ensemble Broke Back Beach.
Cette série remet en question l’image traditionnelle de la virilité masculine, construite autour du mythe d’une Amérique forte, conquérante, incarnée par la figure du cow-boy. Dans l’imaginaire collectif, le cow-boy représente l’homme libre, solitaire, courageux, symbole d’une masculinité dure, silencieuse et dominante. Il est une figure fondatrice d’un récit national, celui de la conquête, de la frontière, de la nature à dompter.
Mais la figure du cow-boy a également été réappropriée par certains mouvements de la culture gay américaine, notamment à partir des années 1970, où les codes vestimentaires traditionnels — bottes, jeans, chemises, chapeaux, cuir — ont été détournés et réinvestis comme des signes d’identité, de désir et de communauté. Le cow-boy devient alors une figure ambiguë : à la fois symbole de virilité traditionnelle et icône homoérotique, figure de puissance mais aussi de vulnérabilité et de marginalité.
Avec Broke Back Beach, cette figure est déplacée, fragilisée, rendue plus ambiguë. Le cow-boy n’est plus seulement une icône de puissance et de domination, mais devient un personnage sensible, vulnérable, traversé par le doute, le désir, la solitude et la mélancolie. Le titre lui-même introduit un glissement : de la montagne à la plage, du territoire rude et sauvage vers un espace plus ouvert, plus fragile, presque intime, comme un lieu mental ou émotionnel.


Le troisième axe de l’exposition présente WAR, une série de dix courts-métrages satiriques dans lesquels l’absurdité de la guerre est incarnée par des ânes tenant le rôle des soldats. Chaque épisode, ponctué de citations percutantes, met en lumière la bêtise, l’absurdité et la répétition presque mécanique des conflits humains à travers l’histoire.
Le choix de l’âne n’est pas anodin. Animal associé à la charge, à l’obéissance et parfois à la bêtise dans l’imaginaire populaire, il devient ici une métaphore de l’homme en temps de guerre : un individu qui porte, avance, obéit, sans toujours comprendre les raisons profondes du conflit dans lequel il est engagé. En remplaçant les soldats par des ânes, la guerre perd immédiatement sa dimension héroïque pour apparaître dans toute sa dimension absurde, tragique et dérisoire.
La série utilise le langage du cinéma, mais dans une forme volontairement courte, rythmée et fragmentée, proche du pamphlet visuel. Les citations viennent ponctuer les images comme des contrepoints, introduisant une distance critique et une réflexion sur la violence, le pouvoir, le nationalisme et la manipulation des masses.
Les musiques, les images et le montage, signés LM, participent pleinement à cette écriture satirique. Le montage joue un rôle central dans la construction du sens, créant des décalages entre le son et l’image, entre la gravité des sujets évoqués et la simplicité presque burlesque des situations représentées.
Avec WAR, il ne s’agit pas de représenter la guerre, mais de montrer son absurdité fondamentale. La série fonctionne comme une fable contemporaine, une suite de petites allégories visuelles où l’humour, l’ironie et le décalage deviennent des outils pour parler de violence, de pouvoir et de la part d’irrationnel dans l’histoire humaine.